viernes, 30 de octubre de 2009
lunes, 5 de octubre de 2009
Texto escrito por la Historiadora Ana del Valle Palermo para la muestra "Entrelíneas Pentagramadas"
ACTO PRIMERO
Las Figuras
Las obras que Carolina Ferrari exhibe en “Entrelíneas Pentagramazas”pertenecen a un conjunto de su última producción. Las mismas son autorreferenciales y ponen de manifiesto un interesante diálogo entre las dos disciplinas en las cuales se formó: La música y la pintura. Las obras están trabajadas con técnica mixta, “pegando las partituras originales de sus libros de estudio, en las cuales se leen las correcciones que hace unos 15 años escribían sus maestros”.
El conjunto está compuesto por figuras femeninas fragmentadas y otras trabajadas como retrato/autorretrato.
Las Claves
Se cuenta que el pentagrama resolvió los problemas de representación gráfica de la música. Carolina, resuelve sus discusiones con esta última por medio de la representación plástica. Es así que las partituras musicales utilizadas como materia de trabajo en su obra, son asimismo las formas presentativas de ésta, introduciendo entre ellas un juego dialéctico entre lo real y lo simulado. Porque si bien el carácter representativo es propio de la imagen, la partitura da a esa imagen un estatuto de realidad. Hay algo de lo real que se ha metido en la pintura
Así, los cuerpos envueltos, cubiertos o exhibiendo las partituras son el sustrato o la forma que contiene a la materia. Es interesante señalar, que tanto la música como los cuerpos coinciden en un sentido: ambos necesitan ser tocados.
El cuerpo se transforma en el instrumento, en el canal, en el puente, en un mediador entre el ojo y el oído que, al tocarlo, emitirá algún sonido, traducido a su vez en imagen. Quién puede negar que no se oye el LA de andante con moto?
Otras obras hacen foco en los rostros, excusa que Carolina utiliza para abordar el trabajo del autorretrato. Los tres retratos/autorretratos evidencian casualmente vestimentas típicas de tres períodos importantes nos solo para las artes plásticas sino también para la música. Las mujeres en cuestión lucen típicas gorgueras barrocas, perfiles renacentistas y puntillas románticas.
Los Silencios
Sin embargo, aventaja la pintura a la música a causa de que no perece al instante de su creación, sino que en su ser se mantiene, enseñándote aquello que es sólo superficie como si tuviera vida. (Leonardo Da Vinci )
Las obras de Carolina establecen un recorte, una selección sobre qué ver.
Hay algo por fuera de lo visto que intriga y acecha. Qué historia se cuenta entre lo visto y lo sugerido? Los rostros faltantes en los cuerpos fragmentados generan ese desconcierto. Cuál es el gesto de esa acción? Qué sucede por fuera de ese recorte, de ese momento? Qué sucederá después? A qué tiempo hacen referencia las obras? El conflicto aparece en el cuerpo fragmentado, un conflicto entendido como acción que se hace carne en el vacío, en la falta, y sin embargo es constitutiva de la imagen. Como los silencios en la música, y como los olvidos en la memoria, es ese vacío el que permite el movimiento; claro que en la pintura Carolina entiende que ese silencio – vacío generador, es menos fugaz que en la música.
Cada una de sus obras semeja la idea de un momento detenido en constante devenir, tal como lo muestra el metrónomo, queriendo medir la duración del instante.
Mientras que para la música a veces el silencio es un descanso, para las pinturas de Carolina el silencio es tensión.
La noción de instante puede a veces detenerse en la pintura, algo que suele ser más difícil en la música. Esa captura suele fugarse en esta última, en cambio la pintura es capaz de preservar el instante actualizándolo una y otra vez.
ACTO SEGUNDO
Las alteraciones
1 – spiritoso – Orfeo y las Ménades
SI
Orfeo finalmente, fue devorado por las ménades. Ellas sacudieron sus agitadas piernas como si fuesen cuerdas dentro de la caja de resonancia de un piano. Poco ha quedado del cuerpo de Orfeo.
2- andante con moto – Eurídice vuelve al infierno
LA
El atropellado amor de Orfeo hizo que su amada regresará a los dominios del Hades. Solo se le permitió conservar como recuerdo de su amado, el diapasón con el cual afinaba la lira.
3 – arpegios/ un poco piú animato /con espressione – Eurídice se convierte en estatua
SOL
Faltaba ya poco para que Orfeo y Eurídice volvieran al mundo de los vivos. La primera expresión de Eurdice fue de libertad. Asomaba ya la cabeza a la superficie y el cabello se animaba con el viento. Orfeo caminaba con la mirada hacia adelante…aún. Pero Orfeo no pudo resistir dar vuelta la cara para ver el rostro de su amada. Las dos secuencias restantes muestran a Eurídice convertida en piedra.
4 – poco sostenuto – Eurídice hacia la luz
FA
Fue grande la alegría. El amor de Orfeo y Eurídice conmovió a Hades y a Perséfone dándoles la posibilidad de regresar al mundo de la luz. Solo había una condición: Orfeo no podía mirar a Eurídice hasta que todo su cuerpo se encontrara fuera del mundo de las tinieblas.
5 – andantino con espressione – Eurídice espera a Orfeo en el Hades
MI
Mientras Orfeo sorteaba obstáculos para rescatar a Eurídice, ella lo aguardaba pacientemente en las profundidades del inframundo.
6– allegro - Eurídice es mordida por la serpiente
RE
Aristeo también estaba enamorado de Eurídice y quiso raptarla. En el momento en que Eurídice se disponía a huir de él, pisó una víbora y fue mordida por ésta en su pierna. Trató de cubrir su herida, pero ya era demasiado tarde. Eurídice perdió la vida y se dirigió hacia el mundo de los muertos.
7- risoluto - Orfeo conoce a Eurídice
DO
Orfeo logró vencer sus pudores de virgen y con permiso de Zeus conoció la felicidad de la mano de su amada Eurídice.
8va - molto vivace/ Eurídice conoce a Orfeo
A Orfeo le agradaba mucho la compañía de las ninfas y Eurídice era una de las más hermosas. Su belleza conmovió a Orfeo tanto como a Eurídice su delicado espíritu. Fue en ese instante cuando el tiempo se detuvo.
- tocata y fuga/ Carolina comienza a pensar como pintar la música
Las Figuras
Las obras que Carolina Ferrari exhibe en “Entrelíneas Pentagramazas”pertenecen a un conjunto de su última producción. Las mismas son autorreferenciales y ponen de manifiesto un interesante diálogo entre las dos disciplinas en las cuales se formó: La música y la pintura. Las obras están trabajadas con técnica mixta, “pegando las partituras originales de sus libros de estudio, en las cuales se leen las correcciones que hace unos 15 años escribían sus maestros”.
El conjunto está compuesto por figuras femeninas fragmentadas y otras trabajadas como retrato/autorretrato.
Las Claves
Se cuenta que el pentagrama resolvió los problemas de representación gráfica de la música. Carolina, resuelve sus discusiones con esta última por medio de la representación plástica. Es así que las partituras musicales utilizadas como materia de trabajo en su obra, son asimismo las formas presentativas de ésta, introduciendo entre ellas un juego dialéctico entre lo real y lo simulado. Porque si bien el carácter representativo es propio de la imagen, la partitura da a esa imagen un estatuto de realidad. Hay algo de lo real que se ha metido en la pintura
Así, los cuerpos envueltos, cubiertos o exhibiendo las partituras son el sustrato o la forma que contiene a la materia. Es interesante señalar, que tanto la música como los cuerpos coinciden en un sentido: ambos necesitan ser tocados.
El cuerpo se transforma en el instrumento, en el canal, en el puente, en un mediador entre el ojo y el oído que, al tocarlo, emitirá algún sonido, traducido a su vez en imagen. Quién puede negar que no se oye el LA de andante con moto?
Otras obras hacen foco en los rostros, excusa que Carolina utiliza para abordar el trabajo del autorretrato. Los tres retratos/autorretratos evidencian casualmente vestimentas típicas de tres períodos importantes nos solo para las artes plásticas sino también para la música. Las mujeres en cuestión lucen típicas gorgueras barrocas, perfiles renacentistas y puntillas románticas.
Los Silencios
Sin embargo, aventaja la pintura a la música a causa de que no perece al instante de su creación, sino que en su ser se mantiene, enseñándote aquello que es sólo superficie como si tuviera vida. (Leonardo Da Vinci )
Las obras de Carolina establecen un recorte, una selección sobre qué ver.
Hay algo por fuera de lo visto que intriga y acecha. Qué historia se cuenta entre lo visto y lo sugerido? Los rostros faltantes en los cuerpos fragmentados generan ese desconcierto. Cuál es el gesto de esa acción? Qué sucede por fuera de ese recorte, de ese momento? Qué sucederá después? A qué tiempo hacen referencia las obras? El conflicto aparece en el cuerpo fragmentado, un conflicto entendido como acción que se hace carne en el vacío, en la falta, y sin embargo es constitutiva de la imagen. Como los silencios en la música, y como los olvidos en la memoria, es ese vacío el que permite el movimiento; claro que en la pintura Carolina entiende que ese silencio – vacío generador, es menos fugaz que en la música.
Cada una de sus obras semeja la idea de un momento detenido en constante devenir, tal como lo muestra el metrónomo, queriendo medir la duración del instante.
Mientras que para la música a veces el silencio es un descanso, para las pinturas de Carolina el silencio es tensión.
La noción de instante puede a veces detenerse en la pintura, algo que suele ser más difícil en la música. Esa captura suele fugarse en esta última, en cambio la pintura es capaz de preservar el instante actualizándolo una y otra vez.
ACTO SEGUNDO
Las alteraciones
1 – spiritoso – Orfeo y las Ménades
SI
Orfeo finalmente, fue devorado por las ménades. Ellas sacudieron sus agitadas piernas como si fuesen cuerdas dentro de la caja de resonancia de un piano. Poco ha quedado del cuerpo de Orfeo.
2- andante con moto – Eurídice vuelve al infierno
LA
El atropellado amor de Orfeo hizo que su amada regresará a los dominios del Hades. Solo se le permitió conservar como recuerdo de su amado, el diapasón con el cual afinaba la lira.
3 – arpegios/ un poco piú animato /con espressione – Eurídice se convierte en estatua
SOL
Faltaba ya poco para que Orfeo y Eurídice volvieran al mundo de los vivos. La primera expresión de Eurdice fue de libertad. Asomaba ya la cabeza a la superficie y el cabello se animaba con el viento. Orfeo caminaba con la mirada hacia adelante…aún. Pero Orfeo no pudo resistir dar vuelta la cara para ver el rostro de su amada. Las dos secuencias restantes muestran a Eurídice convertida en piedra.
4 – poco sostenuto – Eurídice hacia la luz
FA
Fue grande la alegría. El amor de Orfeo y Eurídice conmovió a Hades y a Perséfone dándoles la posibilidad de regresar al mundo de la luz. Solo había una condición: Orfeo no podía mirar a Eurídice hasta que todo su cuerpo se encontrara fuera del mundo de las tinieblas.
5 – andantino con espressione – Eurídice espera a Orfeo en el Hades
MI
Mientras Orfeo sorteaba obstáculos para rescatar a Eurídice, ella lo aguardaba pacientemente en las profundidades del inframundo.
6– allegro - Eurídice es mordida por la serpiente
RE
Aristeo también estaba enamorado de Eurídice y quiso raptarla. En el momento en que Eurídice se disponía a huir de él, pisó una víbora y fue mordida por ésta en su pierna. Trató de cubrir su herida, pero ya era demasiado tarde. Eurídice perdió la vida y se dirigió hacia el mundo de los muertos.
7- risoluto - Orfeo conoce a Eurídice
DO
Orfeo logró vencer sus pudores de virgen y con permiso de Zeus conoció la felicidad de la mano de su amada Eurídice.
8va - molto vivace/ Eurídice conoce a Orfeo
A Orfeo le agradaba mucho la compañía de las ninfas y Eurídice era una de las más hermosas. Su belleza conmovió a Orfeo tanto como a Eurídice su delicado espíritu. Fue en ese instante cuando el tiempo se detuvo.
- tocata y fuga/ Carolina comienza a pensar como pintar la música
jueves, 9 de julio de 2009
jueves, 23 de abril de 2009
La obra actual de Carolina Ferrari. Análisis
En el año 2007 aparece por primera vez su interés por la imagen fragmentada del cuerpo humano, a modo de zoom, se mostraba en los primeros casos piernas de personas que se aglutinaban formando un caótico amasijo humano, así surgieron las obras tituladas “embotellamientos”. Esto hacía alusión al cuento de Julio Cortázar “La Autopista del Sur”, quien relata la historia de unos automovilistas demorados en la carretera durante meses por una causa desconocida y para quienes la única solución de supervivencia es el moverse como comunidad; el cuento al que se hace referencia fue seleccionado por el grupo plástico que integra la artista para titular la Exposición llevada a cabo en el 2007, muestra que recorrió Museos, Bibliotecas y Universidades. Pero es en su última serie donde se percibe una fuerte carga emocional, si bien aquí la línea sigue jugando un papel protagónico, en estos últimos trabajos se despoja de todo color y se inmiscuye en una obra autobiográfica. Su largo estudio académico musical , el cual comenzó a muy temprana edad, es en este caso la temática de su trabajo. Muchas veces la artista ha señalado la dificultad expresiva que encontraba frente al arte plástico por su rígida formación musical. La disciplina de estudio que implicó el estudio de su instrumento (piano) durante diez años, le era contraproducente ante la búsqueda de la libertad necesaria para crear. En esta serie de obras existe un gran simbolismo. Realiza sus técincas mixtas pegando las partituras originales de sus libros de estudio, en las cuales se leen las correcciones que hace unos 15 años escribían sus maestros. Funcionando como vestiduras, cubren, tapan, todo intento de sensualidad y desnudez. De alguna manera la censura se percibe y se respira, y se refuerza con la aparición de elementos como el diapasón o el metrónomo, fieles reflejos de lo preciso, exacto, inamovible. La ruptura literal de las hojas de sus libros es la gran metáfora de su deseo de libertad frente al hecho creativo, es ésta, la necesidad de romper toda convención lo que moviliza hoy a la artista quien trabaja hoy exhaustivamente en esta obra auto-referencial
miércoles, 4 de marzo de 2009
Sobre su propia obra y su actitud frente al arte
Las exposiciones realizadas nos hablan de su gran pasión por el hecho creativo, las muestras continuas no sólo reflejan una búsqueda comprometida hacia su propia obra, si no que tan bien relucen su confianza ante el arte como hecho social, donde cada exposición se convierte en un vínculo con su entorno, un espacio de diálogo, intercambio y comunicación entre la pintura y el espectador. Su obra se fue fortaleciendo en un camino personal a través del paso de los años. Se caracteriza por un importante manejo de la línea y un gran conocimiento en la representación de la figura humana, con gran carga expresiva reinterpreta el mundo y sus personajes. Su obra ha ido creciendo mediante una exhaustiva dedicación y perfeccionamiento continuos, ya sea por el aprendizaje recibido en talleres, por su comprometida formación en academias artísticas o por el desarrollo de su tesis de postgrado: esta obra escrita trata sobre la necesidad de comunicación del artista y la posibilidad de desarrollarse desde un camino grupal, para esto analiza e investiga el funcionamiento de los grupos plásticos en la argentina a través del tiempo y finaliza presentando su propio grupo plástico como un ejemplo concreto de intercambio y respeto hacia la diversidad en el arte actual. El grupo plástico Pensión Completa del que se está haciendo mención, viene realizando hace varios años importantes muestras culturales y ya es parte del circuito oficial de arte en el partido de Gral. San Martín de donde es originario. Como sus nueve integrantes, Carolina Ferrari participa activamente en él aportando con su obra su propia mirada.
Fragmento de la conclusión de mi tesis : El Concepto y el Funcionamiento de los Grupos Plásticos Argentinos en la Actualidad"
"(...) se hace necesario, aún más en nuestra era, respetar lo diverso frente a la homogeneidad impuesta desde el sistema, tanto para el arte como para la vida, discutir las ideas y conceptos legitimados desde el poder y construir nuevos significados. Un arte actual debería defender lo autónomo cuidando al mismo tiempo, no caer en el individualismo "narcisista" que encandila al artista mediante la promesa del éxito como meta primordial. El hombre posmoderno debe empezar por reconocerse un ser social y manifestándose como comunidad señalar nuevas formas de relaciones sociales oponiéndose con ésto a la masificación despersonalizada que promueven los mecanismos de mercado. El arte, como la extensión más auténtica de ese hombre debería cobrar el mismo sentido y la manera más viable para desarrollarlo sería mediante el grupo plástico que desde su accionar promueva dichos ideales. El grupo plástico que muestre como posible y apropiado la manera de construir desde las diferencias, estará señalando para el arte un sentido social, será modelo de comunidad y comunicación, alterando el mecanismo del mercado que de la mano de los medios tecnológicos se encarga de homogeneizar identidades buscando absorber las formas de cultura.
El arte mediante su lenguaje debe hablar del mundo individual del artista, y los grupos plásticos que apoyen esas búsquedas personales estarán cobrando un sentido mayor que lo que les otorgaría la mera suma de las partes."
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